Marcel Duchamp "L.H.O.O.Q"

Artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, y era hermano del artista Raymond Duchamp-Villon y del pintor Jacques Villon. Duchamp comenzó a pintar en 1908. Después de realizar varias obras en la línea del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia e hizo su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera (1912, Museo de Arte de Filadelfia), en la que expresa el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. La pintura causó furor en el Armory Show que tuvo lugar en Nueva York en 1913. Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923, Museo de Arte de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran espejo. Realizada en óleo y alambre sobre espejo, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas. En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales innovaciones del siglo XX, el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido, tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado, aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art.
En 1919 pinta "L.H.O.O.Q", homófono en francés de la frase «Elle a chaud au cul», literalmente «Ella tiene el culo caliente».

Dominique Ingres "La gran odalisca"

(Montauban, Francia, 1780 - París, 1867) Pintor francés. Último representante de los grandes pintores del neoclasicismo francés, Ingres se presenta sin embargo con una postura ambigua frente a los postulados clasicistas que le sitúan dentro del germen del movimiento romántico. Estudió en la Academia de Toulouse, antes de trasladarse en 1797 a París, donde fue alumno de J. L. David.

En 1801 ganó el Prix de Rome con Aquiles y los enviados de Agamenón, pero no pudo ir a Italia por motivos políticos y comenzó a trabajar como pintor en París. Cumplió peticiones privadas, sobre todo retratos (Mademoiselle Rivière) y encargos oficiales (Bonaparte, primer cónsul y Napoleón emperador). En 1807 Jean Auguste Dominique Ingres pudo establecerse por fin en Roma, subvencionado por el gobierno francés y, cuando se le acabó la beca, decidió permanecer en la ciudad por su cuenta. No le faltaron los encargos, en particular de la colonia francesa y de Napoleón, para quien decoró su palacio en Roma.

Tras una estancia de cuatro años en Florencia a partir de 1820, regresó a París. En 1824, el Voto de Luis XIII, de Ingres, se expuso en el Salón al lado de la Matanza de Quíos, de Delacroix; el contraste entre ambas obras dio un gran prestigio a Ingres, que abrió un estudio en París, donde trabajó incansablemente hasta su muerte. Sólo abandonó la capital francesa durante un breve período (1835-1841) para dirigir la Academia de Francia en Roma.

Jan Van Eyck "Matrimonio Arnolfini

Jan van Eyck (Maaseik, c. 1390 - Brujas, 1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas y, junto a Robert Campin, en Tournai. Fue fundador del Ars nova, estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el Renacimiento Nórdico de Europa. En tal sentido Van Eyck es el más célebre del conjunto de pintores llamado los Primitivos Flamencos.
Van Eyck tiene como antecedentes que le influyen a los hermanos Limbourg —extraordinarios miniaturistas—, al escultor Claus Sluter —la forma de representar los pliegues de las telas que Sluter hace en piedra es prácticamente la misma forma con que van Eyck pinta los pliegues de las telas—, y el poco conocido pero valioso pintor Melchior Broederlam.
Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y la búsqueda de nuevos sistemas de representación del espacio tridimensional (véase Perspectiva).

Paul Klee "Senecio"

Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza, en una familia de músicos, de padre aleman y madre suiza. De su padre obtuvo la ciudadania alemana, que usaría toda su vida, dado que Suiza se negó a darle ciudadania durante su exilio en ese pais durante la persecución nazi. Estudió arte en Múnich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck. Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales.
Al regresar de un viaje a Italia, se asentó en Múnich, donde conoció a Vasili Kandinski, Franz Marc y otras figuras de vanguardia, y se asoció al Blaue Reiter.

James Ensor

James Ensor (Ostende, 13 de abril de 1860 - 19 de noviembre de 1949) fue un pintor belga que participó en los movimientos de vanguardia de comienzos del siglo XX, influyendo de manera importante en el expresionismo y surrealismo. Vivió en Ostende durante prácticamente toda su vida. Destacó por la originalidad de su obra. Se le relaciona con el grupo artístico «Los XX».

James Ensor

James Ensor (Ostende, 13 de abril de 1860 - 19 de noviembre de 1949) fue un pintor belga que participó en los movimientos de vanguardia de comienzos del siglo XX, influyendo de manera importante en el expresionismo y surrealismo. Vivió en Ostende durante prácticamente toda su vida. Destacó por la originalidad de su obra. Se le relaciona con el grupo artístico «Los XX».

Stuat Gilbert Retrato de George Washington

Gilbert Charles Stuart (3 de diciembre de 1755 - 9 de julio de 1828) fue un pintor estadounidense.
Gilbert Stuart está ampliamente considerado como uno de los más destacados retratistas estadounidenses. Su obra más conocida, George Washington (también conocido como El Ateneo y el Retrato inacabado) fue terminado en 1796. La imagen de George Washington representada en la pintura ha aparecido en el billete de un dólar de los Estados Unidos durante más de un siglo. A lo largo de su carrera, Gilbert Stuart produjo retratos de más de mil personas, incluyento los primeros seis Presidentes de los Estados Unidos. Su obra puede encontrarse actualmente en museos de arte de todos los Estados Unidos y el Reino Unido, de manera destacada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, la Galería Nacional de Arte de Washington, D.C., la Galería Nacional de Retratos del Reino Unido en Londres, y el Museo de Bellas Artes de Boston.

Muchacho sosteniendo un dibujo de Giovanni Francesco Caroto

Muchacho pelirrojo sosteniendo un dibujo, Museo de Castelvecchio, Verona

Giovanni Francesco Caroto (Verona, 1480 - Verona, 1555) fue un pintor italiano, activo en Verona durante el Renacimiento.

Conoció el trabajo de Rafael a través de los artistas emilianos, pero se limitó a incorporar simplemente algunos rasgos de tono clasicista, tomados de artistas como Giulio Romano, superficiales y mal integrados en el espíritu de su obra. A partir de 1525 encontramos esta influencia rafaelesca en su obra, siempre matizada por su particular carácter (Caida de Lucifer, Museo de Castelvecchio).
Giovanni Francesco Caroto tuvo un hermano, Giovanni, que fue también un dotado pintor. Esto ha provocado alguna confusión en la atribución de algunas obras.
Caroto fue, posiblemente, uno de los maestros de Paolo Veronés.

Autorretrato con mono. Frida Kahlo

Es una obra de la pintora mexicana Frida Kahlo realizada en 1938. Actualmente se conserva en el Museo Albright-Knox de Buffalo (Estado de Nueva York).

Kahlo, Frida (1907-1954), realizó principalmente autorretratos, en los que utilizaba una fantasía y un estilo inspirados en el arte popular de su país. Hija del fotógrafo judioalemán Guillermo Kahlo, Frida nació en Coyoacán, en el sur de Ciudad de México. A los 16 años, cuando era estudiante en la Escuela Nacional Preparatoria de esta ciudad, resultó gravemente herida en un accidente de camión y comenzó a pintar durante su recuperación. Tres años más tarde le llevó a Diego Rivera algunos de sus primeros cuadros para que los viera y éste la animó a continuar pintando. En 1929 se casaron.Influida por la obra de su marido, adoptó el empleo de zonas de color amplias y sencillas plasmadas en un estilo deliberadamente ingenuo. Al igual que Rivera, quería que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana y por ello recurría con frecuencia a técnicas y temas extraídos del folklore y del arte popular de su país. Más adelante, la inclusión de elementos fantásticos, claramente introspectivos, la libre utilización del espacio pictórico y la yuxtaposición de objetos incongruentes realzaron el impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con el movimiento surrealista.

Sus cuadros representan fundamentalmente su experiencia personal: los aspectos dolorosos de su vida, que transcurrió en gran parte postrada en una cama, son narrados a través de una imaginería gráfica. Expresa la desintegración de su cuerpo y el terrible sufrimiento que padeció en obras como La columna rota (1944, colección Dolores Olmedo, Ciudad de México), en la que aparece con un aparato ortopédico de metal y con el cuerpo abierto mostrando una columna rota en lugar de la columna vertebral. Su dolor ante la imposibilidad de tener hijos lo plasma en Hospital Henry Ford (1932, colección Dolores Olmedo), en la que se ve a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, diseminados alrededor de una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Otras obras son: Unos cuantos piquetitos (1935, colección Dolores Olmedo), Las dos Fridas (1939, Museo de Arte Modernos de México) y Sin esperanza (1945, Dolores Olmedo).

Mrs Mary Robinson "Perdita" George Romney

Fecha:1781 Museo:Wallace Collection (Londres) Características:76 x 63 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Romney será el tercero en discordia en la retratística británica del siglo XVIII, junto a Reynolds y Gainsborough. Tras pasar una larga temporada en Italia estudiando a los maestros del Renacimiento -Rafael, Miguel Angel, Tiziano y Correggio- regresó a Londres donde ejerció una importante actividad como retratista.Mrs. Mary Robinson era una actriz que recibió el apodo de "Perdita" tras interpretar ese papel en la obra de Shakespeare "Un cuento de invierno" en el Drury Lane Theatre de Londres. La actriz disfrutó de una breve relación con el Príncipe de Gales cuando fue retratada por Romney. Se nos presenta de manera informal, ataviada con un gorro blanco, un manguito gris y una capa de seda negra. Su atractiva mirada se dirige de reojo hacia el espectador, con la cabeza girada hacia la derecha. La figura se recorta ante un fondo neutro que resalta la belleza de su rostro y la delicadeza de la informal pose. Las pinceladas son rápidas y fluidas en algunas zonas, aportando al retrato un aire más intimista e inmediato, alejado de las obras de "aparato" que realizarán sus competidores.

Retrato de un artista degenerado de Oskar Kokoschka

Pintor expresionista de retratos y paisajes. Nació en Pöchlarn, Austria, ciudad a orillas del Danubio, el 1 de marzo de 1886. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Viena entre 1905 y 1908 y fue uno de los primeros representantes del movimiento expresionista de vanguardia. Comenzó pintando retratos de tipo psicológico de médicos, arquitectos y artistas vieneses. Entre estas obras se pueden citar Hans Tietze y Erica Tietze-Conrat (1909, Museo de Arte Moderno, Nueva York, MOMA), August Forel (1910, Galería de Arte de Mannheim, Alemania) y Autorretrato (1913, Museo de Arte Moderno). Resultó herido durante la I Guerra Mundial y se le diagnosticó una gran inestabilidad psicológica. Más adelante, entre 1919 y 1924 fue profesor de la Academia de Dresde. Durante esa época pintó El poder de la música (1919, Galería de Pinturas, Dresde). Después de viajar siete años por Europa y Oriente Próximo ejecutó gran número de obras en las que aparecen figuras así como paisajes, todas ellas de colorido enérgico y brillante, pintadas con enorme libertad y exuberancia, entre las que hay numerosas vistas de puertos, montañas y ciudades. Como ejemplos de este periodo cabe citar el Puerto de Marsella (1925, Museo de Arte, Saint Louis, Missouri), Vista de Colonia (1956, Museo Wallraf-Richartz, Colonia) y El puente de la torre (1925-1926, Instituto de Arte de Minneapolis, Minnesota). Tachado de pintor degenerado por el gobierno nacionalsocialista alemán, se trasladó a Inglaterra en 1938, donde realizó obras antibélicas durante la II Guerra Mundial y se convirtió en súbdito británico en 1947. Tras la guerra visitó Estados Unidos y más tarde se instaló en Suiza. Murió en Montreux el 22 de febrero de 1980. Aunque fue más conocido como pintor, también se dedicó a la literatura. Entre sus obras se incluyen poemas y piezas de teatro, como Orfeo y Eurídice (1918), obra notable que se convirtió en libreto de ópera en 1926 con música del compositor alemán Ernst Krenek. También es autor de una colección de relatos breves, Un mar rodeado de visiones (1956), y de su autobiografía

Retrato de un artista degenerado de Oskar Kokoschka

El guitarrista de Jean Batiste Greuze

La duquesa de Alba por Goya

La relación entre Goya y la Duquesa de Alba se remonta a los años iniciales de la década de 1790. Al adentrarse el maestro en los círculos aristocráticos -de la mano de la Duquesa de Osuna- se puso en contacto con los Duques de Alba y su particular entorno. En 1795, el pintor realizó un retrato al Duque y otro a la Duquesa, formando pareja. Doña María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, XIII Duquesa de Alba, era una de las mujeres más atrayentes del Madrid de la Ilustración. Su belleza ha sido cantada por poetas y músicos; de ella decían que era tan bella que cuando paseaba por la calle todo el mundo la miraba desde las ventanas y hasta los niños dejaban sus juegos para contemplarla. Casada a los 13 años y viuda a los 34, murió una vez cumplidos los 40 años posiblemente envenenada, según las malas lenguas, por la reina María Luisa de Parma. Doña Cayetana tenía un fuerte temperamento y era conocida en los suburbios de Madrid por disfrazarse de maja y participar en las fiestas populares. Protectora de actrices, poetas, pintores y toreros, llegaba a disputarse los favores de los bellos jóvenes con otras cortesanas, incluso con la propia reina. Todo un personaje como puede apreciarse. Goya ha retratado a la Duquesa ataviada con un elegante vestido de gasa blanca, adornado con una cinta roja en la cintura y varios lazos del mismo color en la pechera y en el pelo y un collar. La acompaña un perrillo faldero que simboliza la fidelidad, posiblemente la que le profesaba el mismo pintor. La belleza de la dama es perfectamente interpretada por el aragonés, aunque debamos considerar diferente el canon de belleza del siglo XVIII al actual. La figura de la aristócrata se recorta sobre un fondo de paisaje, recordando los retratos del inglés Gainsborough. El colorido del fondo está armonizado con tonos -ocres y grises- agradables a la vista; los del vestido también están estudiados al detalle, interesándose por las calidades de las telas. Goya no ha dejado nada al azar para configurar un retrato que agrade a doña Cayetana, de la que el pintor se enamorará.